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Si usted es una persona común y corriente y se encuentra frente a una obra de arte en una exposición, posiblemente quiera entenderla mejor.
 

Lo primero que se debe saber para entender de artes plásticas, es que se dividen en cuatro expresiones básicas: el dibujo, la pintura, la escultura y el grabado.

De éstas, el dibujo y la pintura son las más antiguas y populares.

 

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EL DIBUJO

Es la forma más antigua y primitiva del arte. Con el hombre prehistórico, que rayó con piedras las paredes de las cavernas, se dieron los primeros dibujos representando imágenes de animales y objetos sencillos. Recordemos que para dibujar sólo se necesita algún instrumento que deje huellas sobre una superficie.

Esta técnica se basa en el uso de la línea y el artista puede utilizar el color o no. Aunque existe variedad de instrumentos para dibujar, el carboncillo, el lápiz, la plumilla y el pastel, siguen siendo las técnicas más sobresalientes del dibujo.

Vea .. Una Mirada al Dibujo,  desde la Colección del Museo de Arte de la Universidad Nacional

 

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El pastel

Está hecho de pigmentos en polvo fabricados en forma de barras especia­les de colores, las que el artista puede usar para dibujar o para dar color.

Se utiliza sobre papel de diferentes colores y una vez terminada la obra, se cubre con una capa de laca, la cual hace que el color se fije y permanezca. El principal inconveniente de esta técnica es su poca perdurabilidad; los trazos y colores se desvanecen con el tiempo y se afectan al estar expuestos a la luz na­tural.

Por eso, se han desarrollado algu­nas formas de conservación para obras

valiosas. Un ejemplo es el del museo de los impresionistas en París, donde los pasteles del artista Edgar Degas, prin­cipal exponente de esta técnica, se man­tienen en un salón acondicionado con iluminación y temperatura ambiental controladas.

Entre los artistas colombianos que han cultivado este genero se citan, entre muchos, a Alicia de Fiore, Gloria Ospina, Teye, Dario Ortiz, Margarita Lozano, Maria de La Paz Jaramillo

 

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El carboncillo

Hace referencia a un dibujo pinta­do al carbón. Antiguamente se utiliza­ba un pedazo de madera quemada, de ahí su nombre. En la actualidad el car­boncillo se fabrica por métodos moder­nos y se consigue en forma de lápiz.

Artistas de todos los tiempos lo han empleado con gran habilidad, aunque hoy se ha convertido en una técnica poco utilizada. Entre los impresionis­tas se destacan obras al carboncillo de Edgar Degas y, posteriormente, las del francés Enrique Matisse.

Entre los artistas colombianos que han cultivado este genero se citan, entre muchos, Luis Caballero, Santiago Cardenas, Luis Alberto Acuña, Teye, Esperanza Gonzalez

 

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El lápiz

El dibujo a lápiz fue una téc­nica poco usada hasta el siglo XVII, debido a la dificultad que presentaba la utilización de las puntas de plata para su aplica­ción. El primer lápiz de grafito se fabricó en 1662, dando a los maestros un instrumento mucho más fácil de manejar, lo que hizo más popular la técnica. No obstante, el dibu­jo a lápiz es uno de los procedimientos más difíciles, pues el artista debe ma­nejar muy bien tonos y texturas con este solo instrumento.

Existe también un estilo de dibujo que se hace a dos lápices, en el que se maneja un lápiz blanco y uno negro, sobre un papel de color.

Entre los artistas colombianos que han cultivado este genero se citan, entre muchos, Gregorio Vasquez de Arce y Ceballos, Francisco Antonio Cano, Santiago Cardenas, Leonel Gongora, Jorge Jurado

 

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La Plumilla

Se emplean plumas de diferentes calibres que se abastecen con tintas indelebles.  La más conocida es la tinta china.

En Colombia los artistas que cultivan esta tecnica generalmente se dedican al paisaje, las construcciones coloniales y la caricatura

Entre los artistas colombianos que han cultivado este genero se citan, Arnoldo Michaelsen, Jaime Mendez 

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LA PINTURA

Es, quizás, la expresión artística más apreciada y utilizada en la historia. Durante su larga trayectoria, los materiales y la forma de usarlos han tenido una profunda evolución.

Los cambios van desde la época en que las pinturas se obtenían de forma rudimentaria a partir de productos naturales de la tierra como plantas y rocas, pasando por aquélla en que los artistas tenían que producir sus propias pinturas y fabricar sus pinceles y lien­zos en casa, hasta nuestros días, cuando encontramos un completo mercado de elementos de pintura sintéticos y listos para usar.

La gran variedad de componentes y formas de uso de las pinturas dan lugar a diferentes técnicas entre las que sobresalen la acuarela, el acrílico, el óleo  y el fresco. Entre ellas, las más reconocidas son, sin duda, el fresco y el óleo por la vasta muestra artística y calidad de sus obras.

 

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El fresco

Son pinturas previamente delinea­das y luego realizadas sobre una pared o un muro, el cual ha sido preparado con una mezcla de cal y arena.

Para realizar un fresco el artista debe utilizar pigmentos molidos mezclados con agua. Es una pintura más bien sen­cilla de realizar, pero laboriosa, pues la buena preparación del muro puede du­rar hasta dos años.

Entre los muralistas más famosos del Renacimiento están Miguel Angel  (La Capilla Sixtina), Sandro Boticelli y El Giotto. Los mexicanos Diego Riveros y David Alfaro Siqueiros son muy conocidos entre los contemporáneos.

Entre los artistas colombianos que han cultivado este genero se citan, Luis Alberto Acuña, Santiago Martinez Delgado, Pedro Nel Gomez, Ignacio Gomez Jaramillo, Alejandro Obregon, Enrique Grau,  Ximena de Valdenebro 

 

El óleo

Surgió en el siglo XV, y a mediados del siglo XVI estaba en pleno auge. Su descubrimiento fue una gran revolu­ción, hasta el punto que todos los otros métodos de pintura fueron relegados a la categoría de técnicas menores.

La pintura al óleo se hace a partir de pigmentos pulverizados mezclados  con aceite. Una de sus grandes ventajas es su flexibilidad y capacidad de con­servación, de ahí la acogida que tuvo entre los pintores de la antigüedad. Un cuadro de gran tamaño, pintado sobre tela, puede ser enrollado y transporta­do fácilmente.

Gracias a la durabilidad del óleo hoy podemos seguir apreciando una inmensa variedad de obras con siglos de antigüedad.

El óleo puede, también, ser utilizado sobre madera, cartón, papel, entre otros materiales. Sin embargo, el más usado es el lienzo.

 

La acuarela

Se fabrica con base de pigmentos finamente molidos que luego se disuel­ven en agua para ser extendidos sobre papel. Una de las características de la acuarela es que entre su gama de colo­res no existe el blanco. Por eso, un buen artista debe ser capaz de lograr tonos claros, brillos y luminosidades sin te­ner a su disposición el blanco.

Otro aspecto característico de la acuarela es que el pintor no puede apli­car tonos claros sobre oscuros como en el óleo. Debe partir de los tonos más claros hasta llegar a los oscuros a través de diferentes capas. El alemán Alberto Durero es considerado el padre de la acuarela por la gran cantidad de obras que realizó con esta técnica.

 

Técnica mixta

Un artista también puede hacer uso combinado de diversos procedimientos. Es cuando nos referimos a la técnica mixta. En una obra se pueden combi­nar, por ejemplo, la acuarela y la témpera o el óleo y el acrílico, con excelen­tes resultados. No es posible, sin embargo, combinar todos los procedimien­tos. Por ejemplo, una mezcla de técni­cas a partir de aceite con una de técni­cas con base en el agua resulta químicamente incompatible.

 

El collage

No debe confundirse el collage con la técnica mixta. Mientras el co­llage consiste en mezclar con la pin­tura pedazos de papel, madera, alam­bre u otros elementos, formando con ellos una unidad artística y dando a la obra una tercera dimensión, la técnica mixta es la combinación de pro­cedimientos.

Los inventores del collage fueron Pablo Picasso y su gran amigo Georges Braque. Hacia 1911 estos artistas co­menzaron a pegar trozos de papel pe­riódico en sus dibujos, dando lugar a una de las prácticas que caracterizan el arte del siglo XX.

Picasso justificó la utilización de cajas de fósforos, etiquetas de botellas, retazos de telas, etc., explicando que para el artista no hay medios de expre­sión dignos o indignos, pues éste pue­de servirse de cualquier material para transferir emoción.

 

LA CERAMICA
Las piezas están hechas a mano, o con la ayuda de instrumentos de modelado y corte, en arcilla, generalmente refractaria.

Hay muchos sitios en donde se pueden encontrar arcillas adecuadas, pero los artistas tienen sus sitios predilectos, como Chía, Ráquira y, naturalmente, los sitios de donde provenían los trabajos de las diferentes culturas prehispánicas

Las piezas se queman primero a una temperatura de 955 grados centígrados para que la arcilla sea manejable, luego se esmaltan si se desea este tipo de acabado.

Para dar color se emplean pigmentos de marca, o muchos artistas prefieren preparar sus propios colorantes con base en piedras y lajas especiales molidas y tratadas

 

Alta Temperatura

Cuando las piezas son de alta temperatura se queman con ambiente de reducción a una temperatura de 1300 grados

 

Baja temperatura

Cuando las piezas son de baja temperatura se queman en ambiente de oxidación en el horno, a una temperatura de 1000 grados centigrados

 

  EL GRABADO
 

¿QUE ES UN GRABADO? 

Un grabado es una obra de arte realizada en tinta y papel. Existen diferentes técnicas de grabado, pero en todas se obtiene una imagen final mediante un proceso de transferencia indirecto. El artista comienza por dibujar una composición sobre la superficie escogida. La transferencia ocurre cuando una hoja de papel, puesta en contacto con la superficie dibujada, se pasa a través de la prensa. Una de las ventajas de hacer obras de arte en esta técnica, es que se pueden obtener numerosos "grabados", ya que muchas hojas de papel se pueden correr de la misma manera, a través de la prensa, para obtener siempre la misma imagen. 

El artista decide cuantas copias hacer y el numero total de grabados de una misma serie se llama "edición." Los grabados son firmados y numerados por el artista, de manera que muchas personas pueden adquirir su obra. 

Este medio ha evolucionado sus métodos de estampación través de su larga historia. Los más conocidos son: litografía, xilografía, grabado en metal y serigrafía. El artista escoge alguna de estas técnicas, dependiendo de lo que quiera expresar en su trabajo, pues cada una proporciona distintos efectos visuales. Sin embargo, éstas técnicas a veces resultan complicadas de elaborar, y se requiere frecuentemente, la asistencia de un impresor experto. 

GRABADO EN METAL 

El grabado en metal es una de las técnicas de "intaglio" (como el agua tinta y la punta seca). Intaglio viene de la palabra italiana intagliare que quiere decir grabar. En el grabado en metal, se utiliza ácido para "morder" la imagen sobre la placa de zinc. Esta es la técnica de grabado mas utilizada por los artistas desde el renacimiento, en gran parte por la facilidad con que una composición se puede reproducir. Rembrandt y Goya, entre otros, crearon algunas de sus más importantes obras mediante el grabado de metal. 

Para hacer un grabado en metal, el artista empieza con una placa metálica, que se cubre con cera. Sobre esta capa de cera se registra la imagen con diferentes procedimientos.

Después de esto la placa se debe sumergir en acido. Debido a que la cera que cubre la placa la protege, el ácido solo entra en las líneas dibujadas y corroe el metal expuesto.

A los grabados en metal se les aplica la tinta de una forma diferente que a las xilografías y las litografías. Después de remover la cera que cubre la placa, la tinta es empujada dentro de las incisiones con un rodillo. Luego la superficie de la placa debe ser limpiada cuidadosamente. El papel humedecido es colocado sobre la placa y luego pasado por la prensa donde se aplica la presión es necesaria para forzar la maleabilidad del papel sobre las líneas trazadas. De esta forma el papel recoge la tinta. Característicamente, las líneas impresas por medio de la técnica de grabado en metal, son ligeramente pronunciadas sobre el papel. Ya que la hoja de papel usualmente es mas grande que la placa de cobre, se forma un borde alrededor de la composición que es denominado marca de placa. 

LITOGRAFIA

 Inventada en 1798 por Aloys Senefelder y aplicada en el siglo IXX por pintores como Francisco Goya, Honore Daumier, y Edouard Manet, la litografía entra en su más completo auge artístico en 1890 con los grabados a color de Pierre Bonnard, Henri Toulouse- Lautrec entre otros. Puede que sea uno de los medios de grabado más directos, ya que las imágenes son ejecutadas sobre una superficie plana de una manera muy parecida a las acuarelas o los dibujos sobre papel. 

La impresion de litografías está basada sobre la resistencia entre grasa y papel. El artista debe utilizar sustancias grasosas (crayones litograficos o tusche, un líquido aplicado con brocha, cepillo o pincel) para crear una imágen sobre una piedra o placa, se debe tener una superficie sobre la cual agarren las marcas del crayon o el tusche. Tradicionalmente se utlizaban piedras pesadas, pero ahora son más comunes las placas metálicas especialmente preparadas porque son mas livianas y por tanto, mas fáciles de usar. 

Cuando la litografía está lista para grabar, se aplica una mezcla química sobre la composición para poder adherir de forma segura la imagen grasosa dibujada en la superficie. La piedra o placa es humedecida con agua, la cual preserva las áreas no grasosas. Con un rodillo, la tinta aceitosa del grabador es aplicada, y solo se pega a las partes dibujadas con grasa, pues las partes en blanco, están protegidas por una película de agua. El papel es luego colocado sobre una piedra (o la placa de zinc) y se pasa por la prensa para transferir la imagen. 

SERIGRAFIA

La serigrafía es una forma de stencil, un procedimiento común utilizado para aplicar palabras, letreros o imágenes al papel u otros materiales. Durante los años 30, algunos artistas americanos comenzaron a elaborar obras de arte en serigrafía y al finalizar esa década el término de "serigrafía" se utilizó para distinguir obras de arte de avisos comerciales. 

Durante !os años sesenta la técnica se difundió, gracias a los artistas pop, quienes estaban atraídos por las grandes áreas de color no modulado, las superficies planas y la apariencia generalmente comercial de la serigrafía. Andy Warhol también utilizó ésta técnica de grabado para crear sus imágenes sobre el lienzo. 

Para hacer serigrafías, la seda original se estira firmemente a través del marco. Luego se pega la imagen para determinar las áreas de composición. Esta imagen puede ser creada con una variedad de materiales: papel cortado, una línea endurecida de pegamento, o una gelatina especial. Al contrario de los procedimientos para xilografía, grabado en metal y litografía, no se requiere una imprenta para transferir la imagen de la serigrafía al papel. En este caso, el papel es colocado directamente debajo de la pantalla, y una herramienta con un borde plano de caucho, llamado rosqueta se utiliza para empujar la tinta a través de la seda. Las áreas delimitadas por figuras de la composición no son porosas y obstruyen la tinta, quedando como formas blancas después de la impresión. Cuando se necesita aplicar más de un color, se utilizan pantallas separadas para cada uno. 

XILOGRAFIA

La más antigua de las técnicas de grabado es la xilografía cuyo uso se remonta a China en el noveno siglo. Este proceso que fue originalmente utilizado para estampar diseños decorativos sobre telas, fue aplicado también en el medioevo para la elaboración de objetos funcionales como naipes de cartas. Los artistas occidentales han hecho xilografías intermitentemente por cientos de años: el siglo xvt queda marcado como su punto mas alto y los siglos xtx y xx en los que se presencia un gran resurgimiento. Pintores como Paul Gaughin, Edvard Munch, Emil Nolde y los expresionistas alemanes adoptaron la xilografía como su medio artístico preferido. La xilografía moderna se distingue por una apariencia rústica que incorpora a la composición formas de bordes angulosos, áreas burdamente talladas, y hasta la presencia del grano de la madera. 

La elaboración de la xilografía es un proceso simple y claro. EL artista bosqueja o esboza una composición sobre un tablón de madera y luego, utilizando gubias, cinceles y cuchillos, saca los pedazos del bloque. La tinta se aplica sobre la superficie con un rodillo. Se coloca papel sobre el bloque y se corre por la prensa.

Las xilografías también se pueden imprimir a mano, utilizando una cuchara o cualquier instrumento similar para frotar la parte de atrás del papel y así transferir la imagen de la madera. Las partes cortadas no reciben tinta y aparecen en blanco sobre el papel impreso.

 

   
   
   
   
   
   

Basado en
 Artículo de la Revista Colmena, Taller de arte. com, No. 1 de agosto de 1999

Itinerarte, Grabado colombiano tontemporáneo, Galería Santa Fe, 1999