Museo de Arte Contemporaneo de Bogota (MAC)

Bogota

Museos

Abstracto, Bodegón, Figura Humana, Figura, Varios, Visual, Paisaje

Museo de Arte Contemporaneo de Bogota (MAC)

Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá,  MAC

 INFORMACION ADICIONAL

 

 

 

 


1992: Síntesis Histórica

En 1996 se inauguró el museo casa del arte que sirviera de centro cultural para la ciudad.  Muchos artistas se han vinculado a él con la donación de sus obras:  Fernando Botero, Alejandro Obregón, Eduardo Ramirez Villamizar, Omar Rayo, Edgar Negret, David Manzur, Augusto Rivera, Teresa Cuellar, Pedro Alcántara, Enrique Grau, Armando Villegas, Rafael Penagos, Luis Caballero, entre los colombianos y Leonardo Nierman, José Luis Cuevas, Oswaldo Vigas, Justo Arosemena, entre los latinoamericanos.  Su fondo artístico supera actualmente las 500 obras.

Comenzó en un rústico salón, luego se trasladó a un edificio ideado por los arquitectos Eduardo del Valle y Jairo López, que fue inaugurado en 1970.  El edificio forma un volumen circular en tres niveles, integrados por un vacío central, que se desplaza en forma de espiral clarificando con su haz luminoso todo el mabiente.

Del Museo depende un taller de arte y oficios artísticos para los niños y un taller de música, El parque de banderas, de 1972, está adornado con 15 esculturas y es como la continuación del Museo.  El Museo es un organismo educativo al servicio de las artes plásticas en general.  El calendario de actividades del MAC se orienta a promover la cultura a través de conferencias, audiovisuales, visitas guiadas, programas especiales con niños, recitales y conciertos los cuales complementan sus salones y exhibiciones artísticas.

(tomado de Colombia - Guia Cultural 3 - editado por el Ministerio de Relaciones Exteriores en 1992 - OP Editores


 
El Museo de Arte Contemporáneo fundado el 25 de noviembre de 1966 cuenta con una colección de cerca de 900 obras que abarcan desde la década del 60 hasta nuestro días y que se incrementa constantemente con nuevas donaciones. En el 2006 cumplirá 40 años de divulgación de las prácticas artísticas contemporáneas, dentro de sus proyectos está la promoción de las artes electrónicas a través del festival FACE, la muestra de los mejores trabajos de grado en el proyecto Tesis, y muestras de carácter temático de los fondos de su colección así como diversos proyecto en convenio con universidades, institutos de cultura, fundaciones y organizaciones culturales.

La obra social y evangelizadora de El Minuto de Dios gestada por el Padre Rafael García Herreros cumple 50 años de su primera transmisión por televisión en enero de 1955, el conocido espacio "El Minuto de Dios" se constituyó en la semilla de un modelo social y solidario que se ve expresado en el desarrollo integral de la persona humana; en el barrio Minuto de Dios se encuentran no solamente viviendas, también sus habitantes tienen acceso a la educación a través del colegio y la universidad, al trabajo por medio de los proyectos de confecciones, desarrollo social y ecológico, a los medios de comunicación por la emisora y la programadora Lumen y a la cultura con el Museo de Arte Contemporáneo y el Teatro Minuto de Dios.

 

MAC, el museo del barrio   

Museo de Arte Contemporáneo, 40 años en el Minuto de Dios. 

por Diego Guerrero, redactor de El Tiempo

A la casa de Silvia Alzate, de 42 años, en el barrio Minuto de Dios, llegó una tarde de hace dos semanas Gustavo Ortiz, director del Museo de Arte Contemporáneo (MAC), con un cuadro de un metro por 1,20 bajo el brazo. Minutos después entraron tras él 13 vecinos para ver la pintura.

Luego, la dueña de casa trajo pasabocas y agua aromática, y Gustavo empezó a hablar de ese bodegón de botellas (de Umberto Giangrandi), que hacía parte de la colección del MAC y que por obra del programa `Arte en casa colgaba en el mismo sitio donde antes había un cuadro de flores bordado por Silvia.

Acciones como esa son las que el MAC realiza con la comunidad, luego de 40 años de haber sido fundado.

La celebración de estas cuatro décadas de funcionar en el barrio empezó este mes con una exposición de 70 obras donadas por artistas como Santiago Cárdenas, Beatriz González, Ana Mercedes Hoyos, Manuel Hernández y Armando Villegas. Se hará oficial este sábado cuando, a las 6 p.m., se festeje el cumpleaños y se agradezca a los donantes.

"Todos estos artistas -hoy reconocidos- pasaron por aquí cuando estaban empezando y ahora que les pedimos que hicieran una donación lo hicieron muy alegres", dice el director.

¿Y el bodegón?

Días después del encuentro en torno al bodegón los vecinos iban esporádicamente a verlo a la casa de Silvia.

"A mi mamá no le gustó mucho el cuadro, porque prefiere los paisajes dice Silvia- pero yo sí lo miraba detenidamente. No sé de arte académico, pero quería ver qué había más allá, el espíritu que movió al autor a plasmar esa obra".

El director y la mujer, concuerdan en que el MAC ha tenido épocas de apogeo en las visitas y otras más quietas. De todos modos, según cuentas de esa institución, en el 2005 hubo 234.023 visitantes en 18 exposiciones en su sede y en tres externas. En todas se exhibieron obras de 1.042 artistas.

Una de las personas que acudió a verlas fue Argemira Prada, de 29 años. Como es vecina del museo, solo tiene que abrir la ventana para verlo y no se pierde exposición. Va al MAC desde adolescente, según recuerda: "Venía con una amiga simplemente a gritar acá porque la acústica me parecía muy bacana. Luego, en la universidad (se graduó en educación básica con énfasis en estética), empecé a venir más en serio".

Va con Ángel Nicolás, su hijo de 9 años. "Vengo a ver qué hay de nuevo en el arte, a comparar con lo que sé. Uno aquí se enriquece", dice.

El cuadro de las botellas, ya no está en casa de Silvia, pues regresó al MAC, pero el programa sigue. Y en la lista para hospedar otra obra está Argemira, que comenta: "Mamá lleva varias semanas pensando. Yo sí quiero, pero ella no se decide, Yo le digo que resuelva rápido, antes de que el director del museo pierda la paciencia".

Tomado del periódico El Tiempo, 21 de noviembrede 2006  


 

CIEN OBRAS MAESTRAS

“Colección permanente del MAC”

El Museo de Arte Contemporáneo muestra cien de sus obras más destacadas

 Bogotá, 23 de Marzo de 2012 

La colección del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá se ha construido a lo largo de los últimos 45 años con donaciones realizadas directamente por los más destacados artistas colombianos y latinoamericanos; su acervo asciende a más de mil obras que sintetizan los principales procesos de la modernidad y la contemporaneidad desde 1960 a la actualidad. 

En estos 45 años en los que el Museo de Arte Contemporáneo ha hecho tangible el significado social de la cultura, a través de múltiples muestras en cada una de las décadas fundamentales de la segunda mitad del siglo XX y en esta primera década del siglo XXI. 

La selección de estas cien obras obedece a un proceso curatorial en el que se han analizado hechos históricos nacionales e internacionales, movimientos y tendencias artísticas, procesos sociales y escuelas de pensamiento que han moldeado nuestra cultura, nuestra forma de ver y de relacionarnos. 

El inicio y la evolución de la abstracción con Marco Ospina, Manuel Hernández, Fanny Sanin y David Manzur, en el campo de la pintura y figuras tan notables como Edgar Negret, Ramírez Villamizar, John Castles, Alberto Riaño, Augusto Ardila, Carlos Rojas y Álvaro Henao en el campo de la escultura, también cabe destacar las obras de Alfonso Mateus, Carlos Jacanamijoy, Jorge Riveros, Omar Rayo, León Trujillo, Rosa Sanin, Armando Villegas. 

La figuración como concepto extendido que abarca el expresionismo, el pop, el simbolismo y la gráfica comprometida donde se encuentran obras destacadas de Fernando Botero, Santiago Cárdenas, Luís Paz, Nirma Zárate, Augusto Rendón, Alfonso Quijano, Ángel Loochkartt, Rodolfo Aburalach, Luis Alberto Acuña, Pedro Alcántara, Álvaro Barrios, Carlos Correa, José Luis Cuevas, Umberto Giangrandi, Beatriz González, Ana Mercedes Hoyos, Darío Ortiz, Dioscórides Pérez, Augusto Rivera, Juan Antonio Roda, Jim Amaral, Lorenzo Jaramillo, Raúl Marroquín, Oscar Muñoz, Diego Mazuera, Emma Reyes, Pedro Ruiz, Bernardo Salcedo y Gustavo Zalamea.  

El arte conceptual, el no objetual y las tendencias más contemporáneas representadas en las obras de Antonio Caro, Maria Fernanda Cardoso, Nadin Ospina, Franklin Aguirre, Rosario López, Boris Pérez, John Sánchez, Lina Sinisterra, Mateo López, Juan Carlos Garzón, Carolina Rodríguez, Mauricio Zequeda, Miler Lagos, Carlos Bonil, Giovanni Sánchez y Carlos Castro. 

La exposición Cien Obras de la Colección Permanente del MAC, a partir del 12 de Abril en las salas del primer, segundo y tercer piso del Museo y en el espacio escultórico aledaño; igualmente se harán tres conferencias sobre los procesos del arte contemporáneo y la conformación de la colección, a las cuales están cordialmente invitados todos aquellos que quieren profundizar y conocer de primera mano obras tan significativas de nuestro patrimonio cultural. 

Por el programa de la Secretaría de Cultura Siga esta es su casa, el 29 de Abril por ser último domingo del mes, el Museo de Arte Contemporáneo estará abierto de manera gratuita al público.

Texto gentilmente suministrado por el MAC, 2012  


PROYECTO TESIS

Las mejores tesis en artes plásticas y visuales de Colombia

El proyecto Tesis ha tenido a lo largo de los últimos nueve años una estrecha relación con las principales universidades y academias que ofrecen programas en artes plásticas y visuales, sin excluir otras disciplinas que han ganado gran importancia como son el diseño, la fotografía, la moda y la creación audiovisual.

Para la versión 2012 se han vinculado 21 universidades que incluyen gran parte de la geografía nacional; es de destacar la gran acogida que tiene este proyecto sobre todo aquellas universidades que por su distancia de Bogotá reciben con gran alegría esta convocatoria y han tenido una continuidad creciente al enviar cada año los mejores trabajos de grado de sus recién egresados.

Hemos ido detectando temáticas y problemáticas que año a año se ven reflejadas en los trabajos de grado, podemos decir que la más reiterativa es la relacionada con el cuerpo, vemos que desde diferentes ángulos se generan reflexiones ya sea a través del performance, la fotografía, el video, la pintura, el diseño, la moda y aún las tecnologías aplicadas al arte, estas reflexiones incluyen la sexualidad, el manejo de la intimidad, los cánones sociales acerca de la belleza, las discapacidades tanto físicas como cognitivas, las enfermedades, la segregación por condición racial, social o de género; otro de los temas que vale la pena destacar es la reflexión acerca de lo social entendido desde las diferentes interrelaciones de los seres humanos y que incluyen las situaciones de injusticia, vulnerabilidad, denuncia, acción política y recuperación de la memoria; igualmente el tema ecológico que incluye el aprovechamiento de los recursos naturales, el abuso de la industria y el consumo, los estereotipos sobre la belleza y las alternativas que se proponen para una convivencia más armónica entre todos los seres vivos.

Es innegable la afectación que produce el entorno urbano en cada uno de los trabajos y este también ha sido un tema de investigación por parte de algunas de las universidades; ¿cómo percibimos nuestro espacio?, ¿cómo nos comportamos en él?, ¿qué códigos manejamos?, ¿cuáles son los sistemas de comunicación? y cómo todo esto ha configurado un leguaje específico que requiere un gran esfuerzo para decodificarlo y llegar a manejarlo con la fluidez necesaria.

El arte contemporáneo se nutre de todas estas fuentes por eso participar del Proyecto TESIS es aportar a la complejidad y a la vez ser parte como sujetos activos de los cambios del siglo XXI.

Texto suministrado por el Museo, 2012 


2013

DECADA - (Proyecto) Tesis Años 2003 a 2007

Aproximaciones a las prácticas artísticas del siglo XX!

Proyecto Tesis 2003 a 2007En el año 2004 como fruto de un proceso de análisis e investigación sobre las líneas de acción y el foco del Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá en el contexto académico, se detectó la importancia de divulgar y confrontar los trabajos de grado de las universidades, academias y centros de formación superior que ofrecían programas en el campo de las artes plásticas y visuales.

El inicio del proyecto TESIS fue sobrio y a pequeña escala, sus participantes en la primera versión provenían principalmente de Bogotá, con la presencia adicional de la Universidad de Antioquiay la Universidad Industrial de Santander; la acogida a esta iniciativa fue muy gratificante y confirmó nuestra percepción acerca de la falencia de un espacio para confrontar y divulgar los procesos académicos desde las artes visuales.

Durante esta primera década el Proyecto TESIS se ha consolidado, no sólo como evento, sino principalmente como generador de análisis de los procesos del arte contemporáneo desde el ámbito de la academia, para afrontar la cambiante realidad posmoderna.

Desde la perspectiva curatorial se han establecido dos momentos que permitirán una diversa y nutrida selección de los participantes en esta década; primero los autores de las tesis exhibidas durante los años 2004 a 2008 y luego para el 2014 los correspondientes a los años 2009 a 2013.

El objetivo es darle seguimiento a las carreras profesionales de aquellos que se iniciaron en las salas de nuestro museo y reiterarles nuestro compromiso como entidad que investiga, divulga y promueve las prácticas artísticas contemporáneas.

Uno de los fenómenos que se detectan en esta década es el auge de la fotografía como medio y lenguaje expresivo de amplia y fácil difusión; la causa puede ser explicada por la enorme popularización de los dispositivos para capturar imágenes que prácticamente son ubicuos en nuestra sociedad, unido al amplio desarrollo de los programas para edición digital de imágenes que permitieron la consolidación de este siglo como el siglo visual. Desde la práctica artística la fotografía no se limita a la captura de imáge-nes sino que emplea esta acción como punto de partida para la construcción de un lenguaje, en muchos casos la foto es un boceto de una idea mayor, otras veces actúa como fotograma de una serie y en otros como simple fragmento de un gran collage que pueden construirse digitalmente. Por otra parte en esta época del postdigitalismo renacen y se reconfiguran antiguas técnicas análogas que contienen como proceso final un negativo digital.

La instalación es otra de las tendencias que se consolidan en esta primera década del siglo XXI, pero a diferencia de las propuestas finiseculares ahora está enfocada a la apropiación de sitios específicos donde se ven afectados constantemente los lenguajes plásticos, arquitectónicos, antropológicos y sociales. La instalación del siglo XXI tiene claras intenciones partidpativas y expansivas, en muchos casos rompe con las fronteras museales o simplemente se ubica fuera de los espacios tradicionales de validación en una búsqueda de acercamiento con el público y con el objeto de no ser clasificada dentro del sistema canónigo de aprobación.

La instalación del siglo XXI puede incluir dibujo, pintura, objetos, fotografías, video, en fin cualquier elemento que altere o dialogue con un espacio dado para generar un discurso. Las dimensiones horizontales, verticales o de profundidad son abarcadas en su integralidad superando las fronteras y los límites impuestos por la obra bidimensional.

Los objetos han remplazado a las obras, un objeto en sí no es una escultura ni tampoco una obra de arte en el sentido moderno, es más bien la resignificación de un elemento que cumple una función simbólica dentro de un contexto específico; muchos de estos objetos son de carácter efímero ya que han sido rescatados de alguna manera del anonimato y llevados a la escena artística para que tengan una voz; su valor está dado por el grado de sentido que adquieren y su poder en el incremento de significación dentro de un entorno social.

Otra de las características fundamentales de las prácticas artísticas del siglo XXI, es que no se agotan en si mismas ni son excluyentes; esto quiere decir en la práctica que un artista puede circular por diferentes medios expresivos sin ninguna limitación y tomar de cada uno de ellos los elementos que considere son valiosos para su propósito, se evidencia así la ausencia total de estilo, el cual es remplazado por el concepto; ya en este lugar no caben las limitaciones propias de la validación a través del gusto sino que se instala la idea y sus diferentes aproximaciones como elementos estructurales y semánticos de un lenguaje. Por tanto en el siglo XXI el significado se traslada del objeto al sujeto, con todas las implicaciones sociales, económicas, filosóficas y políticas que esto conlleva.


Gustavo Ortiz Serrano, Director, Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá, 2013


DECADA - (Proyecto) Tesis Años 2008 a 2014

Aproximaciones, iconografías y memorias

Decada Proyecto Tesis 2008 a 2014En el 2013 realizamos la primera curaduría con los artistas participantes en el <proyecto TESIS de los años 2004 a 2007, un momento interesante para revisar la trayectoria de aquellos que iniciaron su vida profesional en la plástica durante esos años y que hoy han consolidado su lenguaje.

Esta segunda parte incluye los graduados mas recientes, 2008-2014, por tal razón su trabajo está precisamente en esta fase de búsqueda, experimentación y consolidación; algunos de ellos apenas tienen uno o dos años de graduados pero poseen los elementos teóricos, técnicos y conceptuales para asegurar que destacarán en su práctica artística en la escena nacional e internacional.

Acordes a la complejidad de nuestro siglo XXI, los trabajos seleccionados para esta muestra abordan conceptos que develan las rutas que se abren o se cierran en el horizonte personal, global, económico, social o ecológico sin agotarse en si mismos.

Estas son algunas tendencias:

El tejido es una revalorización de prácticas ancestrales que a su vez reflexiona sobre los procesos patriarcales de opresión, exclusión y dominación, pero en este estadio se ha tomado como una liberación a través de su misma práctica; los hilos contienen infinidad de metáforas acerca de las conexiones, de las ataduras, del trabajo comunitario, del cobijo, de la piel y la sensibilidad.

Nuevas iconografías. La imagen se desgasta, se desvanece, sufre mutaciones. El ambiente hiper-mediático en que nos movemos hace las veces de un inmenso kraken que captura, engulle y deglute constantemente imágenes; su permanencia es efímera, salta a las redes sociales para obtener “likes” y muere con el siguiente “post”. Por esa paradoja del tiempo, ya no son 15 minutos de fama sino escasos 15 segundos.

La memoria. El recuerdo es frágil, casi intangible. Los ejercicios de memoria histórica, sobre todo en nuestro contexto colombiano donde se ha ejercido una implacable violencia con el fin de borrar tanto física como documentalmente a miles de personas negándoles su derecho a tener un vínculo con un territorio, forzando su desplazamiento y aniquilando su vida en una orgía de terror, hacer necesaria y recurrente la práctica alternativa de la memoria colectiva a través del arte.

Los fenómenos perceptivos. Se descubren y se validan nuevas formas perceptivas, algunas veces cercanas a la perspectiva renacentista y otras veces totalmente opuestas; el espacio es mas amplio y dinámico de lo que lo plantearon los geómetras, astrónomos y matemáticos; el espacio es afectado por las experiencias personales, se enriquece con ellas y las modifica.

El dibujo. Podemos asegurar que el en centro, en la médula de todo proyecto visual de nuestro siglo, el dibujo desempeña un papel insustituible. Del dibujo se derivan los conceptos primigenios para desarrollar un guión, un montaje, una instalación , una construcción, un desarrollo tecnológico, una animación; prácticamente todo pasa por una conceptualización visual y a partir de allí se toman decisiones estratégicas para su producción posterior. El dibujo, es por tanto, una herramienta imprescindible para entender el mundo que nos rodea y la forma como lo representamos simbólicamente. Al dibujar aprendemos.

El <proyecto> TESIS ratifica que somos capaces de resimbolizar nuestro entorno, de transformar nuestro modo de ver, de aprender a partir de lo que vemos y entender su significado mas allá de la superficie o del espacio en el cual está inscrito.


Gustavo Ortiz Serrano, Director, Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá


 

 

El Salón de las Nuevas Expresiones Plásticas 1980- 1992

Salon de Nuevas Expresiones PlasticasCuando llegó al Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá (MAC) Germán Páez Morales en 1980, se encontró ante un panorama fragmentado de las artes; por una parte el Salón Nacional de Artistas y por otra los limitados espacios museales de la ciudad a los cuales era casi imposible de acceder.

El Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá tenía ya una trayectoria de 14 años y había consolidado eventos como el Salón de Agosto y el Salón del Fuego, junto con una serie de exposiciones de artistas nacionales y extranjeros principalmente de México y Venezuela en la década de los 70s.

Germán Páez Morales se asesoró y nombro una junta consultiva que incluía a Germán Rubiano Caballero. Francisco Gil Tovar; Eduardo Serrano, Jaime Duarte French, Galaor Carbonell, Celia de Birbraher, Antonio Grass, Diken Castro; Maruja Vieira y Maria Cristina Iriarte, quienes desde su conocimiento y relaciones con el medio postulaban o analizaban las propuestas de los artistas emergentes que harían parte del Salón de las nuevas expresiones plásticas.

Como lo expresa uno de los asesores, Germán Rubiano Caballero: “Germán Páez, se asesora de varias personas vinculadas de una u otra forma con el mundo del arte. No es entonces un salón escogido personalmente sino reunido a partir de diversos criterios y con base en muchas opiniones”.

Este no era un salón con premios, era un salón por invitación que realizaba personalmente el director del museo previo estudio y consulta con el comité asesor que ya mencionamos; ésta metodología aportó una imparcialidad, objetividad y apertura que no tenían otros salones, además de garantizar la calidad de los procesos formativos, técnicos y conceptuales de quienes participaron a lo largo de sus 12 años de existencia.

En el contexto de los años 80s, donde se marcaron fuertes escisiones en la modernidad que dieron lugar al añanzamiento de los procesos contemporáneos, y aunque por razones de la órbita cultural nos fueron llegando a cuenta gotas, no cabe duda el papel que jugó el Salón de las Nuevas Expresiones Plásticas en el territorio visual que se estaba abriendo paso en universidades, academias, bienales y ferias del arte.

En perspectiva, quienes formaron parte éste Salón se desempeñan hoy en las diferentes dimensiones del campo cultural como son la formación, la creación, la circulación, la investigación y la apropiación. Sus aportes se visibilizan en las nuevas generaciones de artistas plásticos, en la gestión cultural tanto privada como pública, en la consolidación de las nuevas prácticas artísticas, en la apropiación patrimonial y en la investigación de los discursos del arte y la cultura, crítica de arte y periodismo cultural.

Esta curaduría realizada por Guillermo Vanegas, ganador del premio de curaduría histórica convocado por el Museo de Arte Contemporáneo de Bogotá y la Gerencia de Artes Plásticas del ID ARTES, forma parte de componente investigativo que nos hemos propuesto con miras a la celebración en el 2016 de los 50 años de fundación de nuestro museo.

Agradecemos especialmente a Germán Páez Morales, director del MAC (1980 - 1992) por su valiosa colaboración y a los artistas que participaron en el Salón de las Nuevas Expresiones Plásticas quienes nos aportaron su tiempo, archivos y obras para esta curaduría.

GUSTAVO A. ORTIZ, Director MAC

Tomado del folleto Salón de Nuevas Expresiones Plásticas, 1980-1992, Museo de Arete Contemporáneo de Bogotá, 2014


 
   
   
   

En su edición del 7-14 de diciembre de 1998, la Revista Semana en su sección de Artes Plásticas publicó un artículo de exaltación de la reciente reapertura del Museo, escrito por el especialista Eduardo Serrano.

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En su edición No.2 la Revista .G, incluyó un artículo titulado Ciertamente Contemporáneo - Un Oasis en medio del caos de la ciudad, escrito por Alejandro Navarro, con fotos de David Pinzón